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Taller de fotografía con Klavdij Sluban.

Esta semana, durante 3 días, tuve la oportunidad de participar en un taller organizado por el periódico digital El Faro, dirigido a fotoperiodistas y a fotógrafos creativos con interés en el fotoperiodismo, dentro del marco del tercer Foro Centroamericano de Periodismo que organiza dicho periódico. El taller en el que participé fue dirigido por el fotógrafo francés Klavdij Sluban, un excelente fotógrafo, bastante reconocido, con una experiencia previa en El Salvador, con fotografías en las cárceles.

Escribo este post, cuanto antes, porque no quiero perder la frescura en mi memoria. No voy a describir con detalle el taller, más bien, pretendo con este post dejar constancia de lo que me dejó el taller en términos de visión fotográfica y, por supuesto, compartirlo con ustedes. Lo que voy a detallar es mi visión personal del taller, no es una recopilación, al centavo, de las temáticas tratadas por Klavdij y tampoco se trata de una crónica. En la foto de abajo: Klavdij Sluban, durante una de sus intervenciones en el taller.

Klavdij Sluban, durante una de sus intervenciones en el taller.

Compromiso personal.

Klavdij insiste mucho en tener un punto de vista comprometido personal. En mi percepción, ese compromiso no se refiere específicamente a un compromiso de tipo social, sino a un compromiso de uno hacia su trabajo, es decir, atreverse a trabajar temas y a abordar temas desde una perspectiva personal. Esto lo asocio directamente con el hecho de expresarse con una voz propia. Creo que la clave en esto es abordar los temas con una visión personal y no abordar temas sólo por hacerlo, es decir, hacerlo con verdadera pasión.

El porqué.

Kalvdij hizo incapié en tratar de romper el esquema básico de 3 pasos, de Word Press Photo, para reportar: qué, dónde y cuándo. Para Klavdij, una fotografía puede carecer de esos 3 aspectos y, sin embargo, tener un elemento más importante: el porqué. Este “porqué” es lo que le da a una fotografía ese valor agregado, que la hace una fotografía excelente y, en mi opinión, ese “porqué” no sólo debe ser un “porqué” que se explique dentro de la foto, sino un “porqué” sin respuesta, que surja como interrogante para el espectador.

Pongo un ejemplo que se me viene a la mente de una fotografía mía:

No se sabe quién es el niño, ni dónde está, ni el momento de la foto, pero queda en al aire un “por qué” ese niño está dentro de un recipiente con agua y con una taza en sus manos.

Acá surge la interrogante de qué hace el niño dentro de ese recipiente con una taza en sus manos y con esa expresión y todo eso le da un valor agregado a la foto.

Studium-Punctum.

Klavdij resumió esta temática así: “El studium se refiere a la voluntad del fotógrafo en la foto y el punctum es la relación afectiva entre el espectador y la foto”. Como yo lo entendí, para que una fotografía sea buena, no basta con el studium, debe existir el punctum dentro de esa fotografía. El studium es, ya en mis palabras, la parte de preparación e intención de parte del fotógrafo al momento de hacer una foto y punctum es ese elemento dentro de la foto que sorprende y que muchas veces puede ser accidental, el elemento que hace que la foto no sea una más del montón, un elemento dentro de la foto que haga reflexionar y preguntarse al espectador. Para conseguir esto no hay una fórmula, creo que para llegar a realizar fotografías con esa combinación, es necesario salirse de la zona de confort   y trabajar desde esa voz propia, trabajar en una búsqueda constante de “por qué” en nuestras fotografías y no tener miedo a romper las reglas, una vez que las hemos conocido. Esto último es muy importante, ya que, en muchos casos, los fotógrafos no conocen las técnicas por lo tanto no pueden romperlas. La teoría del studium y el punctum se encuentra en el libro “Camera Lucida”, de Roland Barthes, por si alguno de ustedes se interesa y quiere profundizar (aconsejo hacerlo).

Me voy a atrever a ejemplificar con una fotografía mía, sin ánimos de parecer pretencioso.

La mano a la izquierda del rostro de la niña puede considerarse el punctum de esta fotografía.

En la fotografía anterior, el punctum es esa mano que se logra ver que descansa sobre la repisa de la ventana, a la izquierda del rostro de la niña. Es evidente que esa mano no es de ella y entonces surge la pregunta: ¿de quién es esa mano?. Si en la fotografía no apareciera esa mano, entonces, la foto se habría quedado únicamente en el nivel del studium, en donde la intención del fotógrafo era retratar a una niña que se asoma por la ventana. Como valor agregado, pero esto entra en el siguiente punto, también nos preguntamos sobre qué estaba viendo la niña.

El “fuera de campo”.

Para Klavdij, el “fuera de campo” en una fotografía se produce cuando los personajes dentro de la fotografía interactúan con “algo” que está afuera del encuadre. Esto lleva al espectador a reflexionar sobre esa interacción, lo que le da mayor interés a esa fotografía. Cuando la mirada, por ejemplo, del sujeto fotografiado se dirige hacia la cámara, se convierte en una foto entre el sujeto y el fotógrafo y deja por fuera al espectador. Pero esto tiene una excepción y es cuando esa mirada dirigida a la cámara es una expresión muy fuerte, entonces, eso hace que el espectador participe y, por lo tanto, que la foto funcione. En la foto del niño, de más arriba, la mirada se dirige a la cámara, pero es tan fuerte la expresión del pequeño que en lugar de debilitar la foto la fortalece.

Un ejemplo del fuera de campo con otra de mis fotografías:

El “fuera de campo” en esta foto lo constituye las miradas de las 3 niñas, dirigidas hacia algo que no se ve dentro de la fotografía.

Selección y presentación de fotos.

Klavdij recomienda que para nuestras series de fotos, siempre las clasifiquemos en 3 carpetas: las buenas, las malas y las “más o menos”. Y a la hora de presentar las fotografías a un editor, recomienda que haya un hilo de continuidad en el tema a presentar, no fotos sueltas, y modular la forma de presentarlas, es decir, no presentar sólo imágenes fuertes, ni sólo débiles, sino hacer una combinación y hacer transiciones de las imágenes según el contenido, por ejemplo, no pasar de mostrar un retrato fuerte a mostrar una flor, porque el cambio es muy marcado y eso le resta a la presentación de las fotografías. La clave está en seleccionar las fotos y luego encontrar un orden lógico para presentarlas. Otra recomendación importante es que debe llevarse una muestra impresa del trabajo siempre.

Al final. Kalvdij recomienda a los fotoperiodistas tratar siempre de empujar hacia adelante la línea fronteriza que les traza su editor, ir proponiendo, cada vez más, visiones más creativas dentro de la fotografía periodística.

Creo que estos fueron los puntos relevantes, con los que yo me quedé, quizá otros compañeros hayan asimilado más, pero estoy realmente agradecido con El Faro por la oportunidad de haber compartido con tan importante fotógrafo: Klavdij Sluban. Y a él, mil gracias por su generosidad de compartir sus experiencias.

Es difícil resumir lo que uno ha entendido en un taller de tres días y luego escribirlo en un post para que algún lector interesado en el tema pueda entenderlo, sin embargo, si les queda alguna duda o desean comentar, pueden escribirme.

¡Buena luz!.

ЃÔר

  1. Sander Urquilla
    mayo 19, 2012 a las 5:27 pm

    Muy importante el por qué de las imagenes, creo que una fotografia debe de hablar por si sola, contar historias o sucesos. No sabia sobre Studium-Punctum, dos cosas muy importantes a la hora de hacer una composision. Gracias por la informacion de este taller.

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