Archivo

Posts Tagged ‘fotografía’

De viajar a Cuba y no tomar fotografías.

Estoy haciendo mucho drama al decir “no tomar fotografías”, pero fue casi la realidad de mi reciente viaje de 4 días a La Habana. Tenía que llegar a la inauguración de la muestra fotográfica internacional “Caleidoscopio 2017: La Calle, la piel desnuda de la sociedad“, a las 5:00 P. M. del 25 de mayo de 2018, en el Museo Casa de Simón Bolívar. Viajaba el mismo día 25, la salida del vuelo desde San Salvador se retrasó por motivos de “actualización del software de navegación”, según anunciaron por el altavoz, como si no fuera suficiente el mero hecho de volar, para sentir que uno se entrega a la muerte en cada vuelo. Llegué a La Habana con una hora de retraso, en aduanas me revisaron la maleta porque declaré que llevaba libros, lo que me causó un retraso adicional, pero logré llegar a tiempo al evento, aunque, justo a una cuadra de entrar al lugar, comenzó a llover fuerte, y eso sería solo el inicio.

rfigueroa-000024

El maestro mexicano Adrián Fierro, en la inauguración de la muestra.

Antes de continuar, debo aclarar que este ha sido mi segundo viaje en el que solo llevo cámara análoga (de rollo), esta vez llevé mi Leicaflex SL y la Yashica Lynx 5000 E, la primera para rollos en blanco y negro y la segunda para rollos a color. Llevaba 4 rollos blanco y negro (Fomapan 400) y 2 rollos a color (Superia Xtra 400), suficientes para el corto tiempo de mi estadía.

117dc270-68a8-452b-aff9-905914a047e0

Mis compañeras de viaje.

Al día siguiente de mi llegada me reuní con mi gran amigo cubano Racso Morejón, periodista, poeta y fotógrafo, para ir a recorrer (patear, como diría él) La Habana Vieja profunda. Sorpresa: estaba lloviendo. Y continuó lloviendo todo el día, y todo el fin de semana, por supuesto, no nos paramos, pero en esas condiciones era casi un milagro hacer una que otra foto. Esperábamos los escasos momentos de poca lluvia para avanzar y hacer cuadros, el resto del tiempo era esperar bajo el techito de alguna casa o de algún almacén y solo quedaba imaginar las fotos. Mi mayor limitante fue, precisamente, la cámara de rollo, porque es más delicado que se moje y no llevé funda impermeable, lo admito: grave error. Pero, es que no es normal que haya temporal en Cuba en estos días, lluvias aisladas sí, pero no diluvio. Tuve que improvisar una funda impermeable, por supuesto, pero no fue suficiente. Aprendí algo: cuando llueve con sol, en Cuba dicen que “se casa la hija del Diablo”, en El Salvador decimos “está pariendo la venada” ( o su plural). ¡Cosa más grande la vida, chico!

33837570_2076199299297547_1196281591756750848_n

Funda impermeable, de última generación. (Foto: Racso Morejón)

La tormenta “Alberto”, según me entero ya de regreso en El Salvador, ha ocasionado graves daños en las zonas rurales de Cuba, y eso que aún no ha empezado la temporada de huracanes.

Hice pocas fotos, en color logré terminar 2 rollos entre fotos turista, de amistades y de teatro, en blanco y negro solo hice unas 20 fotos, ni siquiera me acabé un rollo, pero a este momento, las blanco y negro aún no están reveladas. Tuve la suerte de poder asistir a 2 obras de teatro y logré hacer algunas fotos, forzando la cámara, ya que solo andaba rollo de ASA 400, y, en fotografía de artes escénicas, eso equivale casi a andar ciego.

Por supuesto, lo mejor del viaje fue encontrarme con mi gente querida y compartir momentos inolvidables con ellos. Viajar a Cuba y no hacer fotografías no es tan malo cuando se tiene a la mano la amistad. Para hacer fotos ya habrá nuevas oportunidades, eso es lo de menos.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Actualización, 31 de mayo de 2018: ya están reveladas las fotos en blanco y negro.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Viajar solo con cámara análoga en pleno 2017.

diciembre 14, 2017 4 comentarios

rfigueroa-0058

Hace un par de meses tuve la oportunidad de atender una invitación a un encuentro internacional de fotografía, en México, organizado por el Colectivo Caleidoscopio, que tiene se sede en la UNAM.

Desde meses antes del encuentro había tomado la decisión de viajar únicamente llevando mi cámara de rollo, la Yashica FX-2, año 76, y unos cuantos rollos de película en blanco y negro, ASA 400. Era la primera vez que iba a hacer eso.

rfigueroa-1883.jpg

Debo decir que a medida que se acercaba la fecha de mi salida empecé a tener dudas y pensé algunas veces en llevar también la cámara digital, sin embargo, al final, mantuve la decisión inicial. Por supuesto que llevaba mi teléfono celular, pero esa cámara no cuenta.

El primer temor al que me enfrenté fue el de perder alguna toma interesante por las limitaciones de la cámara análoga, la posible falta de luz por tener una ASA de 400, con el agravante de que estaba nublado todo el día,  la velocidad de obturación máxima de 1/1000 s, el enfoque manual, por ejemplo, sin embargo, después de media hora de haber empezado a hacer fotos en pleno centro histórico, el temor desapareció y empezó la diversión.

La sensación de caminar haciendo fotos con la cámara análoga, en otro país y sin tener a la mano mi cámara digital, fue muy gratificante, me dejó mucho más tiempo para observar más cosas a simple vista y no a través del visor, todo con mayor detenimiento, operando a bajísimas revoluciones, a la espera de algo que valiera la pena para “gastar” una foto.  Al usar la cámara digital uno tiene la tendencia a fotografiar más, pero de manera menos selectiva. La sensación fue tan genial que ya he decidido que en futuros viajes solo llevaré conmigo una cámara de rollo.

rfigueroa-0037.jpg

En 5 días tomé aproximadamente 80 fotos, fueron 3 rollos. Los negativos no sufrieron ningún problema con los rayos X de los aeropuertos, pude caminar más liviano y, sobre todo, me moría de ganas de revelar los rollos y ver las fotos.

Les comparto otras fotografías.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

 

 

 

Proceso creativo para hacer una fotografía.

Recientemente he empezado a hacer unos videos cortos en los que describo, en tiempo real, mi proceso creativo para hacer una fotografía,  desde que surge la idea, pasando por las diferentes posibilidades creativas que se ensayan, hasta llegar a la fotografía finalmente seleccionada para su posible publicación.

Les estaré compartiendo por este medio los videos que voy subiendo, y si les interesa la temática, pueden suscribirse a mi canal de youtube.

Este es el primer video que he subido.

¿Psicosis salvadoreña?

Hace una semana, a esta hora, aún estaba en el aeropuerto “Jorge Chávez”, de Lima, Perú, esperando abordar mi vuelo hacia El Salvador ( Por cierto, en este aeropuerto es imperdible probar las rodajas de pastel de zanahoria, son una delicia). Durante toda la semana había estado en Argentina, 5 días en Termas de Río Hondo, Santiago del Estero, participando como poeta invitado, en un Festival Internacional de Poesía, y otros 3 días en Buenos Aires, aprovechando el viaje.

El caso de lo que he dado en llamar “la psicosis salvadoreña” me pasó en Buenos Aires. Había decidido ir a una función al mismísimo “Teatro Colón“, a las 8 de la noche, estaba hospedado a unas 7 cuadras, y pude caminar tranquilamente hacia el teatro a eso de las 7:30 PM. Por supuesto, antes de entrar, hice las fotos de rigor, tipo turista.

Fachada del Teatro Colón.

Fachada del Teatro Colón.

Ya adentro del teatro, justo antes de entrar a las butacas, una de las acomodadoras me pidió que dejara mi mochila en los casilleros, dijo que me iban a dar un número para reclamar la mochila a la salida, y entré en pánico. En la mochila andaba todo mi equipo fotográfico, y no estaba dispuesto a dejarla en un casillero. Es aquí donde entra en juego la “psicosis salvadoreña”: en El Salvador sería totalmente improbable dejar en un casillero de un almacén, el súper, o donde fuera, mi mochila cargada con equipo fotográfico, por las razones que todos los salvadoreños conocemos. ¿Qué hice?

Cielo del Teatro Colón.

Cielo del Teatro Colón.

Hice el intento de convencer a la acomodadora, pero insistió que no era posible. Me decía que, por ejemplo, habían llegado grandes músicos que habían dejado sus caros y amados violines en el casillero, y que si entendía yo qué significaba para un músico dejar su instrumento (¡por supuesto que lo entiendo!) Luego pasé a explicar mi situación: soy un salvadoreño que no pudo dejar su psicosis por la delincuencia en El Salvador, y que al dejar la mochila en el casillero, aunque yo sabía que iba a estar segura, no iba a disfrutar tranquilamente del espectáculo por estar pensando en la mochila, pero me insistió en que no era posible, por lo que le dije que, en ese caso, prefería abandonar el teatro. En ese momento apareció una señora que parecía ser la jefa de las acomodadoras, me explicó lo mismo, y le expliqué lo mismo.

Detalle de escultura al interior del Teatro.

Detalle de escultura al interior del Teatro.

Para mi suerte, creo que el hecho de estar dispuesto a abandonar el teatro hizo que la jefa se compadeciera de mí, y me dijo que iba a hacer una excepción, y me dejó quedarme con la mochila, pero, me advirtió que no podía hacer fotos del espectáculo, sólo podía hacer fotos del teatro, mientras la función no iniciara, y yo fui muy obediente, y se lo agradecí infinitamente.

Vista desde el último nivel, y última fila, del interior del Teatro Colón.

Vista desde el último nivel, y última fila, del interior del Teatro Colón.

Es triste, pero, es nuestra realidad, y es difícil no cargar con ella adonde quiera que vayamos.

¡Buena luz!

Las fotografías también se diseñan.

noviembre 16, 2014 2 comentarios

Hace un par de meses, le comentaba a un amigo que yo uso un cuadernito en el que diseño mis fotos, ahí dibujo los bocetos de algunas imágenes y escribo algunas ideas de cómo realizar la foto, por ejemplo, dibujo el encuadre, tengo en mente la fuente de luz y el direccionamiento, y anoto cualquier cosa que me sirva para no olvidar la imagen que he creado y que he visto sólo en mi mente. Mi amigo me decía que nunca había visto un diseño de una foto y le dije que un día le iba a mostrar lo mío, por lo que decidí compartir mi experiencia aquí.

Les comparto tres fotos, una foto del cuadernito en el que hago los bocetos, luego una foto terminada, y, por último, la foto de cómo se hizo la fotografía final.

BOCETO:

Boceto.

Boceto.

En este boceto yo había diseñado un encuadre horizontal, con el motivo a la izquierda, y dejando un espacio negativo a la derecha, lo cual dejé escrito. Este espacio negativo significaba, para mí, dejar un fondo negro. En el boceto se logra ver un chorro y algo que cuelga de él. La foto se trataba de un chorro del que salen unos pequeños clavos en lugar de agua. En un primer momento, pensé que podía lograr el efecto haciendo colgar un hilo negro del chorro y pegando cada clavito a ese hilo, dado el alto contraste que iba a propiciar con la iluminación y la dirección de ésta, pensaba que el hilo negro se mezclaría con el fondo negro, y entonces se volvería invisible, eso lo escribí. Sin embargo, como puede alcanzar a leerse en la nota, entre paréntesis, también puse: “probar dejándolos caer”.

FOTO RESULTANTE:

Fotografía final.

Fotografía final.

La fotografía pertenece a una serie conceptual, inédita, que he denominado “E. S. Clavos”.

Como ya lo habrán notado, el encuadre resultante fue vertical, esto fue debido a que la estética de la composición, para mostrar el efecto deseado, lo pedía.

CÓMO SE HIZO.

Llegado el momento de hacer la foto, antes de probar lo del hilo y el pegamento, preferí hacerle caso a la nota que estaba entre paréntesis, y opté por probar dejando caer los clavos. Como iba a utilizar flash, congelar el movimiento no iba a ser problema. Hice el arreglo de la iluminación, coloqué un chorro arruinado en una regla de madera, y le pedí a mi padre que me ayudara. El problema principal fue sincronizar la caída de los clavos para lograr el efecto deseado, mi padre los dejaba caer, yo disparaba, y los clavos caían en un recipiente. La toma se realizó muchas veces, pero, el resultado fue satisfactorio. Les comparto la foto de cómo se hizo.

Cómo se hizo

Cómo se hizo

¡Buena luz!

La descortesía, en fotografía.

junio 10, 2014 2 comentarios

Me pasó al abordar mi vuelo Santa Cruz, Bolivia – Lima, Perú, en ruta hacia San Salvador.

Hace dos semanas tuve la oportunidad de visitar la ciudad boliviana de Santa Cruz de la Sierra, llamada “La Ciudad de los Anillos” debido a que, urbanísticamente, la ciudad está construida en forma de anillos concéntricos. Lo que me llevó allá fue la poesía, fui invitado a participar, como representante de mi país, en el Primer Festival Internacional de Poesía de la Feria Internacional del libro, en Santa Cruz. Al evento asistimos alrededor de 30 poetas, entre bolivianos y de otros países latinoamericanos, como México, Brasil, Colombia, Argentina, y Nicaragua, cuyo representante fue nada menos que el poeta, el gran poeta, Ernesto Cardenal. Al poeta tuve la oportunidad de hacerle varias fotografías durante la inauguración del Festival, pero les comparto la siguiente:

Poeta Ernesto Cardenal.

Poeta Ernesto Cardenal, durante la inauguración del Festival de Poesía, en Santa Cruz.

 

Mi estancia en Santa Cruz es material para otro post.

Regresando al tema del vuelo Santa Cruz-Lima, hice un pre chequeo del vuelo, en Internet, y, como todo buen fotógrafo, previendo la posibilidad de encontrar buen tiempo, seleccioné un asiento de ventana, un poco atrás de un ala, el asiento 17 A.

Al momento de abordar el avión encontré que mi asiento estaba ocupado por una señora adulta mayor, y a la par estaba un señor, también adulto mayor, quienes no hablaban español, y hablaban poco inglés. Les mostré que mi boleto decía “17 A”, pero al parecer no comprendían mi limitado inglés, entonces tuvo que intervenir una aeromoza a quien expliqué la situación. Ella, muy amablemente, me preguntó si yo no tenía inconveniente para sentarme en la penúltima fila, en asiento de pasillo, para que los señores, que viajaban juntos, pudieran ir sentados a la par durante el vuelo. Mi primera intención fue decir que no había problema, pero entonces se me presentó el dilema: le cedo el asiento a la señora y me pierdo la posibilidad de hacer fotografías de la cordillera de los Andes, o soy descortés y hago valer la reserva de mi asiento en pro de la fotografía.

Me pareció una eternidad ese instante, hasta que le dije a la aeromoza: “en la parte trasera de los aviones las vibraciones son mayores, y eso me puede provocar vómito”, ella sabía que lo de las vibraciones es cierto, yo lo había leído en algún lado, y me dijo que lo entendía. Justo en ese momento, el muchacho que iba en el asiento 17 C (mi misma fila pero en pasillo) le dijo a la aeromoza que él no tenía inconveniente de cambiarse de asiento, y lo cedió, pero la aeromoza me pregunto si estaba bien que yo ocupara el asiento del pasillo,el 17 C (¡volvió el dilema!), y con todo el dolor de mi alma, y siendo totalmente descortés, le dije que tomaría el asiento de ventana. Los señores se cambiaron de asiento, apenas dijeron “I’m sorry”, y finalmente yo pude hacer algunas tomas de la cordillera de los Andes, como lo había pensado.

Alguien me podrá decir que pude haber hecho las tomas desde el asiento del pasillo, pidiendo permiso a los señores, pero, en ese caso, les habría causado otra incomodidad a ellos, y no habría podido tener la misma movilidad y libertad para realizar las fotos que hice. Fui descortés, lo acepto.

No soy un viajero frecuente, y no sé cuándo podré volver a tener la oportunidad de recorrer esa ruta, pero, sobre todo, no puedo negar ser lo que soy, entre otras cosas: un fotógrafo.

Les comparto dos fotos de las que hice ese día, gracias a mi descortesía.


rfigueroa-5792

 

rfigueroa-5780

 

¿Protagonista o espectador?

Hace algunos años hubo una campaña en un periódico que decía algo así como “¿Y tú, eres protagonista o espectador?”, parecía un reto. Al leerlo de golpe daba pie a pensar que “YO debo ser un protagonista, no un espectador”, como si se tratara de que ser protagonista es ser un ganador y ser un espectador es ser un perdedor. Claro, a nadie le gusta perder (excepto a algunos deportistas o algunas “misses” que no ganan competencias y salen en la televisión diciendo que lo importante era competir…”por favooooorrrr!!!”, como diría un respetado médico forense).

Posiblemente la idea de la campaña era que asociáramos que permanecer como espectadores cuando nos pasan cosas malas no es lo más adecuado, sino que es mejor actuar para salir adelante, quizá la intención haya sido buena, no me consta. Y es que suena bonito decir de uno mismo: “yo soy protagonista, no un simple espectador”, hasta en un tono ligeramente altanero, lleno de ego, quizá muchos alguna vez lo hemos dicho a quemarropa, sin pensarlo, pero, ¿es esto correcto? Veamos.

Yo, por ejemplo, puedo decir con certeza que fue a los 7 años de edad cuando decidí que quería estar arriba de un escenario tocando música en lugar de estar enfrente, escuchando o bailando. Fue en la época en la que aún estaba funcionando el famoso Teleférico de San Jacinto (el reino del pájaro y la nube) cuando con mi señor padre nos acercamos a escuchar a un grupo de cumbias que tocaba aquella canción que dice “Macorina pom pom, Macorina ponme la mano aquí”, y, como el lugar estaba lleno, mi padre me llevó a un costado de los músicos y yo quedé a la par del tecladista; perfectamente podía asociar el movimiento de sus manos con la música que él ejecutaba y ahí quedé prendido. Tuve mi primer teclado a los 11 años y mi primera guitarra (de las de verdad, porque tenía unos pocos meses de edad cuando ya tenía una de juguete) a los 12 años. El resto es historia.

Su servidor con apenas unos meses de edad y con su primera guitarra.

Su servidor con apenas unos meses de edad y con su primera guitarra.

Puedo decir que he sido un protagonista cuando he estado frente a un público al formar parte de mi ex banda “La Pita” (R.I.P), o cuando estoy frente a un grupo de niños y voy a leerles mis poemas. Pero en otras muchas situaciones soy ese, mal dicho, “simple espectador” y no por eso es malo. Creo que cada quien es protagonista y espectador a la vez, son situaciones complementarias, ser protagonista no tiene sentido si no hay un espectador, si no existe esa persona que valida o invalida al protagonista, desde un punto de vista muy particular, y es, precisamente, ese poder en el que radica la importancia de ser espectador. A menudo se asocia a un protagonista con alguien que se dedica a alguna actividad artística o es parte del jet set, pero no es así.

Por ejemplo, en el caso de una mujer que ha tenido un parto distócico, su compañero de vida pudo ser un simple espectador durante el parto, a pesar de ser el Director de una prestigiosa Orquesta Sinfónica, mientras que el médico que atendió y resolvió positivamente el parto fue el protagonista en el procedimiento. Como este pueden haber muchos ejemplos.

Todo esto me viene a la mente porque casi siempre estamos pensando en primera persona, creo que deberíamos darnos un buen baño de agua fría al menos semanalmente. Por ejemplo, en la rama de la fotografía, una buena manera de mantener los pies en la tierra y dejar de pensar que nuestras fotos son las mejores del mundo es darse una vuelta por el sitio 500PX;  ahora, si quieren darse un baño de agua fría pero con cubitos de hielo, entonces hay que darle un vistazo al sitio 1x.com

Entonces, ¿qué es mejor, ser protagonista o ser espectador? Pues ni lo uno ni lo otro. Lo mejor es que cada quien se dedique a hacer de la mejor manera posible lo que sabe hacer o lo que le gusta hacer, porque todos somos protagonistas en lo que hacemos y todos somos espectadores de lo que no hacemos.

Dos formas antagónicas de abordar un personaje en una historia.

Recientemente asistí a un taller de fotoperiodismo impartido por el ganador del premio Pullitzer 2013, Rodrigo Abd, en el marco de “El Foro Centroamericano de Periodismo”, impulsado por “El Faro”.

Rodrigo Abd, ganador del premio Pullitzer 2013, durante el taller que impartió en El Foro Centroamericano de Periodismo.

Rodrigo Abd, ganador del premio Pullitzer 2013, durante el taller que impartió en El Foro Centroamericano de Periodismo.

Durante la última jornada del taller, uno de los participantes, Rodrigo Dada, presentó una historia en la que expresa su paranoia y la falta de libertad que ha experimentado al desplazarse por las calles de El Salvador, después de residir durante 5 años en Europa. En sus fotografías, Rodrigo muestra imágenes de diversas partes del mundo, las cuales ha recorrido a través de Google Street, la peculiaridad de las imágenes que él ha fotografiado en su computadora es que  presentan errores en el ensamblado realizado para lograr el efecto de navegación esférica a 360 º. Dentro de su historia, Rodrigo no incluyó imágenes de El Salvador, lo cual generó una polémica en el taller, principalmente por parte de algunos fotoperiodistas presentes que insistían en la necesidad de incluir fotos de El Salvador para que la historia estuviera debidamente contada.

El cuestionamiento sobre el trabajo de Rodrigo Dada era sobre por qué no incluir imágenes de El Salvador, si su paranoia y sensación de encierro es, precisamente, en El Salvador. Rodrigó manifestó que su propuesta no contemplaba incluir imágenes de El Salvador, y, desde mi punto de vista es una forma válida de abordar el tema.

Para contar una historia hay dos formas antagónicas de hacerlo: incluir explícitamente al personaje de la historia o mantenrlo oculto. El éxito, en cualquiera de los 2 casos, estará en si se hace adecuadamente el trabajo narrativo. En el caso de Rodrigo Dada, su personaje es esa paranoia y sensación de encierro que él experimenta por la situación delincuencial y violenta de nuestro país, y su decisión fue la de ocultar el personaje, es decir, mantenerlo “a la vista” de manera implícita.

Yo planteaba, en la discusión del taller, que, por ejemplo, cuando el poeta desea escribir un poema sobre la Luna, se plantea la siguiente pregunta: ¿incluyo la palabra Luna en el poema o la excluyo? En cualquiera de los dos casos se corre el riesgo de no contar bien la historia, en la primera, por exceso de información, y, en la segunda, por falta de información. Inmediatamente se me vinieron a la mente dos grandes poemas acerca de la Luna, abordados de esta manera antagónica. El primero, el “Romance de la Luna, Luna”, de Federico García Lorca, y, el segundo, un fragmento del “Canto de Guerra de las Cosas”, de Joaquín Pasos.

En el “Romance de la Luna, Luna”, el poeta menciona a la Luna deliberadamente, y la belleza del poema radica en el ritmo y dulzura del canto que acompaña a las imágenes del poema :

Fragmento:

 La luna vino a la fragua 
con su polisón de nardos. 
El niño la mira mira. 
El niño la está mirando. 

En el aire conmovido 
mueve la luna sus brazos 
y enseña, lúbrica y pura, 
sus senos de duro estaño. 

Huye luna, luna, luna. 
Si vinieran los gitanos, 
harían con tu corazón 
collares y anillos blancos. 

Por otro lado, en el “Canto de Guerra de las Cosas”, el poeta no menciona a la Luna, sin embargo al detenerse en la lectura se llega a la conclusión de que nos está hablando de la Luna , sin mencionarla, y en este caso la riqueza es precisamente esa, la manera en que el poeta nos esconde la Luna para que el lector la descubra.

Fragmento:

No había que buscarla en las cartas del naipe ni en los juegos 
de la cábala. 
En todas las cartas estaba, hasta en las de amor y en las 
de navegar. 
Todas los signos llevaban su signo. 
Izaba su bandera sin color, fantasmas de bandera para ser 
pintada con colores de sangre de fantasma, 
bandera que cuando flotaba al viento parecía que flotaba el 
viento. 
Iba y venía, iba en el venir, venía en el yendo, como que si 
fuera viniendo. 
Subía, y luego bajaba hasta en medio de la multitud y 
besaba a cada hombre. 
Acariciaba cada cosa con sus dedos suaves de sobadora 
de marfil. 
Cuando pasaba un tranvía, ella pasaba en el tranvía; 
cuando pasaba una locomotora, ella iba sentada en la trompa. 
Pasaba ante el vidrio de todas las vitrinas, 
Sobre el río de todos los puentes, 
por el cielo de todas las ventanas. 
Era la misma vida que flota ciega en las calles como una 
niebla borracha. 
Estaba de pie junto a todas las paredes como un ejército de 
mendigos, 
era un diluvio en el aire. 
Era tenaz, y también dulce, como el tiempo.

Debo decir que supe de la Luna contenida en estos versos de Joaquín Pasos a través de mi amigo músico y poeta Santiago Vásquez, quien comentó en una ocasión “es obvio que en el poema de Joaquín Pasos se habla de la Luna”. Gran lección aprendida.

En fin, todo esto nos lleva a algo que quizá ya sabíamos: en cuestión de expresiones artísticas todo depende de la apreciación, no hay reglas, no hay fórmulas. Siempre y cuando se logre narrar adecuadamente, ¿qué más da si presentamos abiertamente o no al personaje de nuestra historia?

Les comparto una de mis fotos de la Luna.

La Luna ilumina, desde el poniente, al Monumento a la Constitución, en San Salvador.

La Luna ilumina, desde el poniente, al Monumento a la Constitución, en San Salvador.

Lilith. (Obra de Teatro)

Les recomiendo que se den una vuelta por el Cine Teatro Universitario, de la UES a ver la obra “Lilith, la primera mujer hecha de barro”, dirigida por César Pineda y con el elenco de teatro de la UES.

Les dejo un set de fotos, para que se animen.

Se estará presentando en el campus de la universidad, el jueves 14 y el viernes 15 de junio, de 2012, en funciones a las 10:00 AM y a las 5:00PM, La entrada es gratis.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Taller de fotografía con Klavdij Sluban.

Esta semana, durante 3 días, tuve la oportunidad de participar en un taller organizado por el periódico digital El Faro, dirigido a fotoperiodistas y a fotógrafos creativos con interés en el fotoperiodismo, dentro del marco del tercer Foro Centroamericano de Periodismo que organiza dicho periódico. El taller en el que participé fue dirigido por el fotógrafo francés Klavdij Sluban, un excelente fotógrafo, bastante reconocido, con una experiencia previa en El Salvador, con fotografías en las cárceles.

Escribo este post, cuanto antes, porque no quiero perder la frescura en mi memoria. No voy a describir con detalle el taller, más bien, pretendo con este post dejar constancia de lo que me dejó el taller en términos de visión fotográfica y, por supuesto, compartirlo con ustedes. Lo que voy a detallar es mi visión personal del taller, no es una recopilación, al centavo, de las temáticas tratadas por Klavdij y tampoco se trata de una crónica. En la foto de abajo: Klavdij Sluban, durante una de sus intervenciones en el taller.

Klavdij Sluban, durante una de sus intervenciones en el taller.

Compromiso personal.

Klavdij insiste mucho en tener un punto de vista comprometido personal. En mi percepción, ese compromiso no se refiere específicamente a un compromiso de tipo social, sino a un compromiso de uno hacia su trabajo, es decir, atreverse a trabajar temas y a abordar temas desde una perspectiva personal. Esto lo asocio directamente con el hecho de expresarse con una voz propia. Creo que la clave en esto es abordar los temas con una visión personal y no abordar temas sólo por hacerlo, es decir, hacerlo con verdadera pasión.

El porqué.

Kalvdij hizo incapié en tratar de romper el esquema básico de 3 pasos, de Word Press Photo, para reportar: qué, dónde y cuándo. Para Klavdij, una fotografía puede carecer de esos 3 aspectos y, sin embargo, tener un elemento más importante: el porqué. Este “porqué” es lo que le da a una fotografía ese valor agregado, que la hace una fotografía excelente y, en mi opinión, ese “porqué” no sólo debe ser un “porqué” que se explique dentro de la foto, sino un “porqué” sin respuesta, que surja como interrogante para el espectador.

Pongo un ejemplo que se me viene a la mente de una fotografía mía:

No se sabe quién es el niño, ni dónde está, ni el momento de la foto, pero queda en al aire un “por qué” ese niño está dentro de un recipiente con agua y con una taza en sus manos.

Acá surge la interrogante de qué hace el niño dentro de ese recipiente con una taza en sus manos y con esa expresión y todo eso le da un valor agregado a la foto.

Studium-Punctum.

Klavdij resumió esta temática así: “El studium se refiere a la voluntad del fotógrafo en la foto y el punctum es la relación afectiva entre el espectador y la foto”. Como yo lo entendí, para que una fotografía sea buena, no basta con el studium, debe existir el punctum dentro de esa fotografía. El studium es, ya en mis palabras, la parte de preparación e intención de parte del fotógrafo al momento de hacer una foto y punctum es ese elemento dentro de la foto que sorprende y que muchas veces puede ser accidental, el elemento que hace que la foto no sea una más del montón, un elemento dentro de la foto que haga reflexionar y preguntarse al espectador. Para conseguir esto no hay una fórmula, creo que para llegar a realizar fotografías con esa combinación, es necesario salirse de la zona de confort   y trabajar desde esa voz propia, trabajar en una búsqueda constante de “por qué” en nuestras fotografías y no tener miedo a romper las reglas, una vez que las hemos conocido. Esto último es muy importante, ya que, en muchos casos, los fotógrafos no conocen las técnicas por lo tanto no pueden romperlas. La teoría del studium y el punctum se encuentra en el libro “Camera Lucida”, de Roland Barthes, por si alguno de ustedes se interesa y quiere profundizar (aconsejo hacerlo).

Me voy a atrever a ejemplificar con una fotografía mía, sin ánimos de parecer pretencioso.

La mano a la izquierda del rostro de la niña puede considerarse el punctum de esta fotografía.

En la fotografía anterior, el punctum es esa mano que se logra ver que descansa sobre la repisa de la ventana, a la izquierda del rostro de la niña. Es evidente que esa mano no es de ella y entonces surge la pregunta: ¿de quién es esa mano?. Si en la fotografía no apareciera esa mano, entonces, la foto se habría quedado únicamente en el nivel del studium, en donde la intención del fotógrafo era retratar a una niña que se asoma por la ventana. Como valor agregado, pero esto entra en el siguiente punto, también nos preguntamos sobre qué estaba viendo la niña.

El “fuera de campo”.

Para Klavdij, el “fuera de campo” en una fotografía se produce cuando los personajes dentro de la fotografía interactúan con “algo” que está afuera del encuadre. Esto lleva al espectador a reflexionar sobre esa interacción, lo que le da mayor interés a esa fotografía. Cuando la mirada, por ejemplo, del sujeto fotografiado se dirige hacia la cámara, se convierte en una foto entre el sujeto y el fotógrafo y deja por fuera al espectador. Pero esto tiene una excepción y es cuando esa mirada dirigida a la cámara es una expresión muy fuerte, entonces, eso hace que el espectador participe y, por lo tanto, que la foto funcione. En la foto del niño, de más arriba, la mirada se dirige a la cámara, pero es tan fuerte la expresión del pequeño que en lugar de debilitar la foto la fortalece.

Un ejemplo del fuera de campo con otra de mis fotografías:

El “fuera de campo” en esta foto lo constituye las miradas de las 3 niñas, dirigidas hacia algo que no se ve dentro de la fotografía.

Selección y presentación de fotos.

Klavdij recomienda que para nuestras series de fotos, siempre las clasifiquemos en 3 carpetas: las buenas, las malas y las “más o menos”. Y a la hora de presentar las fotografías a un editor, recomienda que haya un hilo de continuidad en el tema a presentar, no fotos sueltas, y modular la forma de presentarlas, es decir, no presentar sólo imágenes fuertes, ni sólo débiles, sino hacer una combinación y hacer transiciones de las imágenes según el contenido, por ejemplo, no pasar de mostrar un retrato fuerte a mostrar una flor, porque el cambio es muy marcado y eso le resta a la presentación de las fotografías. La clave está en seleccionar las fotos y luego encontrar un orden lógico para presentarlas. Otra recomendación importante es que debe llevarse una muestra impresa del trabajo siempre.

Al final. Kalvdij recomienda a los fotoperiodistas tratar siempre de empujar hacia adelante la línea fronteriza que les traza su editor, ir proponiendo, cada vez más, visiones más creativas dentro de la fotografía periodística.

Creo que estos fueron los puntos relevantes, con los que yo me quedé, quizá otros compañeros hayan asimilado más, pero estoy realmente agradecido con El Faro por la oportunidad de haber compartido con tan importante fotógrafo: Klavdij Sluban. Y a él, mil gracias por su generosidad de compartir sus experiencias.

Es difícil resumir lo que uno ha entendido en un taller de tres días y luego escribirlo en un post para que algún lector interesado en el tema pueda entenderlo, sin embargo, si les queda alguna duda o desean comentar, pueden escribirme.

¡Buena luz!.

ЃÔר

A %d blogueros les gusta esto: